miércoles, 24 de diciembre de 2008

Chicas Católicas


Si quieres decidir entre películas u obras de teatro que te interesan te invito a confirmar tu decisión mirando mis recomendaciones.

Ramsés Ancira

Los universos femeninos parecen predominar en la cartelera teatral comercial de México por varios años, desde el fenomeno de Los Monólogos de la Vagina.

Esta situación ha sido bien comercializada por los productores de Ocesa quienes han montado, también con éxito Confesiones de mujeres de 30 y ahora Chicas Católicas de Cassey Kurty. En Estados Unidos la obra se convirtió en un éxito del circuito fuera de Broadway, mientras que en México se estrenó en el mismo lugar donde se hizo la fama de Los Monólogos de la Vagina, La Sala Chopin.

Ahora se presenta en el Teatro Independencia lo que es una ventaja porque al ser del Seguro Social, se pueden vender boletos a precios accesibles para un público más amplio.
No se si los productores coloquen entre el público a paleros para que se desternillen de risa porque algunas manifestaciones de júbilo me parecieron excesivas; pero sí es cierto que Chicas Católicas retrata bien y con humor la atmósfera de las escuelas de monjas, particularmente en lo que se refiere a las muestras de discriminación a las becarias y la crueldad de la que solo pueden ser capaces las mujeres que han renunciado al placer sexual.

Mariana Ochoa ex OV 7 y Pilar Bolivier destacan en el reparto de la temporada invernal 2008, la primera en lo que se refiere a la gracia en las escenas de baile y la segunda como la amargada monja de orígen francés o belga.


Mariana Treviño, en la función que nos tocó en suerte, interpreta a la becaria, la niña a la que le saldrá más cara la primaria que a cualquier otra porque siempre cargará con el estigma de no pagar colegiaturas, lo que le valdrá reproches velados de las monjas y burlas de las que solo pueden ser capaces las niñas bien.
Aunque los personajes son niñas de entre seis y 12 años, no cabe duda que su sexualidad y la forma en que la vivan al llegar a la edad adulta quedará marcada para mal o para bien en su edad adulta... y mucho nos tememos que es más fácil que sea para mal.

Vale la pena mencionar que si bien la obra original de Kurty está situada en los años sesentas, en la adaptación mexicana decidieron acercarla generacionalmente a las actrices que eran niñas en los ochentas. La versión original fue dura y justamente criticada, por sobreactuada por la dramaturga Estela Leñero.

Esto se debió a que encomendaron la adaptación a una persona extranjera que no conocía bien la idiosincracia mexicana, pero ahora, en el teatro San Jerónimo se presenta una adaptación más natural.

Divertida y motivante de la reflexión, Chicas Católicas es una buena opción teatral de bajo costo, sobre todo considerando que al IMSS no le ha ganado la fiebre privatizadora y permite el estacionamiento gratuito en el Teatro San Jerónimo. Desafortunadamente los señalamientos son muy deficientes, por lo que le recomendamos llegar con tiempo a, preferentemente por Periférico de Norte a Sur ya que no hay cerca ninguna estación del Metro.

lunes, 13 de octubre de 2008

Pamela



Es una película tan mala, pero tan mala que concientes de que le habían quedado mucho a deber a los espectadores, le agregaron unos minutos totalmente gratuitos de supuesta cachondería, sin nada que ver con el argumento, para que admiradores del cuerpo femenino pudieran disfrutar las rotundas piernas de Federica Quijano, y a quienes les gustan los torsos masculinos, el del actor Fabián Corres.

Se le promociona simplemente con el nombre de Pamela, pero también como "Pamela por Amor" o Pamela, "Secretos de una Pasión", coincidiendo con el nombre de uno de los sex-simbols más notorios de finales del Siglo XX, Pamela Anderson.

La cinta también podría haberse llamado El Sexo en Vacaciones, o Sangre en Vacaciones, para aprovechar la zaga de La Risa en Vacaciones porque Pamela tiene el objetivo evidente de hacer crecer la taquilla entre el público atraído por el morbo pero nunca de hacer homenaje al séptimo arte.

Nada hay que reprocharle a las actuación de la novata Quijano (antes integrante de Kabah) ni a la interpretación del galán Corres; incluso se puede reconocer que hay eficacia en la dirección de Rodolfo Galindo y tal vez despierta un poco de interés el como se resolverá la trama, pero en conjunto la película es bastante mala.

En todo caso, fieles a la costumbre en esta Cartelera DF de no incluir espectáculos de los que no tengamos algo bueno que decir, en un afán de ser generosos puede que sirva para que busqueN ayuda profesional quienes sospechen de disfunciones como las que se muestran en la película.

Si este fuera el caso puede ser un buen pretexto para no posponer la consulta a los terapeutas del Grupo Interactivo en Pro de la Educación Sexual, cuyo anuncio aparece al márgen de esta reseña.

domingo, 12 de octubre de 2008

My Mom's New Boyfriend, El Nuevo Novio de mi Mamá


Una efectiva combinación de comedia, acción y romance, con una pareja creíble integrada por Antonio Banderas, de 48 años de edad y Meg Ryan, de 47 es la que logró conjuntar el director George Gallo para la película de 96 minutos de duración, correctamente traducida como El Novio de Mi Mamá.

A Gallo, a quien hay que reconocerle tanto el guión como la dirección, ofrece una comedia fina, erótica, divertida y no excenta de suspenso que seguramente será satisfactoria para la mayoría del público, independientemente de su edad o preferencia sexual.

El tema de los novios de señoras que ya pasaron su primera juventud parece estar de moda en cartelera.

No hace mucho la hermosa Susan Sarandon atormentaba a su hijo al tener relaciones (en la película por supuesto) con un fascista entrenador deportivo, mientras que Michelle Pfeiffer, interpretando a una productora de televisión estelarizó I Could Never Be Your Woman</span>, "Nunca seré tuya", también como una madre coqueta de 48 años, temerosa de relacionarse con alguien más joven.

Si en "Meet the Fockers", Robert de Niro interpretaba el conservadurismo estúpido de los agentes de la CIA, en "El Nuevo Novio de Mi Mama" el choque no solo es generacional, sino que además el hijo celoso es un guardián de la vieja moral con contrato en el FBI.

Enmedio de una anécdota divertida, la película propone una reflexión sobre el amor adulto y el celo filial, con algunos apuntes sobre el temor al incesto en una época en que parecen reducirse las diferencias físicas a pesar de la distancia entre las generaciones, sobre todo cuando los mayores deciden una vida sexual y nutricionalmente más sana.

A diversos niveles, puede haber distintas maneras de ver esta cinta, como un mero entretenimiento si se es un adulto joven o como la revisión de las ventajas y riesgos del amor, a una edad más avanzada.

Si el tema de la sexualidad adulta es de su particular interés, le invito a consultar más información en
www.sinporno.org.mx

lunes, 22 de septiembre de 2008

Arráncame la Vida



De Maximino Ávila Camacho se cuenta que al gustarle la taquillera de un cine intentó seducirla, y al enterarse de que tenía novio, simplemente lo mandó matar. También trascendió que fueron tantos los agravios y abusos cometidos, que alguien decidió poner fin a sus días ofreciéndole un taco envenenado.


De Andrés Asencio, el general magistralmente interpretado por Daniel Gimenez Cacho en la película Arráncame la Vida, apenas queda alguna referencia de la bestialidad que caracterizó a muchos de los fundadores del Partido Nacional Revolucionario y que no está lejos de representar a muchos de los priistas actuales, tanto de Yucatán como de la misma Puebla, involucrados en pederastia y negocios sucios.


Esto hace más agradecible a Federico González Compean, hijo del priista Miguel González Avelar, haber invertido su dinero en la producción de una obra maestra que nos hace recordar que por graves que sean los acontecimientos en el México del Siglo XXI, por ningun motivo debemos permitir que regrese el crimen, el fraude, el machismo y la misoginia del Partido que gobernó a México durante la mayor parte del Siglo XX.


Federico González Compean se ha caracterizado por la producción de obras que no eluden el compromiso social, desde el noticiario Hoy en la Cultura de Canal 11 hasta la película Voces Inocentes.


No es casual que se haya interesado en una obra con título de canción, precisamente Arráncame la Vida, si recordamos que también fue productor de una de los rarísismos musicales que no son importados de Broadway, Besame Mucho espectáculo teatral basado en boleros mexicanos.


"¿Qué mexicanos están generando los grandes educadores, la Secretaría de Educación Pública y los medios masivos de comunicación? No nos están entregando mejores mexicanos, diría que hay una pauperización de las conciencias, de la gente. Lo que queda claro es que en la medida en que la educación mejore, tendremos una sociedad capaz de darle más impulso a la cultura a través de su creación, de su disfrute, y con ello, que brinde opciones de trabajo y de vida". Así declaró González Compean en una entrevista para El Universal en el 2006.


Muchas espectadoras se sienten plenamente identificadas con Catalina, el personaje interpretado por Ana Claudia Talancon y advierten razgos de misoginia que pueden pasar desapercibidos para los cinéfilos varones.


La recreación de la época y los espacios en los que vivió Maximino Avila Camacho no se limitan al vestuario, los automóviles o los escenarios que fueron comunes a ese y este periodo de nuestra historia, aun mejor es la recuperación del lenguaje, la doble moral y los complejos y complejidades de la gran familia "rovolucionaria".


Por eso hoy que la derecha ha tenido un fracaso tan contundente al profundizar en el estilo de gobierno que caracterizó a los neoliberales y se corre el riesgo inminente de anhelar el autoritarismo priista, presenciar películas como Arráncame la Vida, o Todo el Poder, no solo representa una experiencia estética, sino una reflexión sobre la política entreguista y corrupta que mantuvo a México en el tercer mundo, cuando tenía todo para ser una de las grandes potencias mundiales.


Al menos con esta película se demuestra que en materia de cine, México está en las ligas mayores.


Para el mayor disfrute de la cinta, sin pronosticar en nada su argumento, consideramos que puede serle muy útil esta información publicada en un medio digital poblano:




Por Rolando Lino Mina

Maximino Ávila Camacho
Nació en Teziutlán, y era el hijo mayor de Manuel Ávila y Eufrosina Camacho. Cuando Madero llega al poder, Maximino le escribe varias cartas desesperadas para demandarle un trabajo que le permita sostener “a su hermanito Manuel” (el futuro presidente). Finalmente, encuentra acomodo en las fuerzas constitucionalistas, desde donde iniciará una carrera militar que se caracterizará por su terrorífica “mano dura”.
Ávila Camacho gobernó Puebla el mismo periodo que Andrés Asencio lo hace en “Arráncame la vida”, pero sus métodos fueron peores que los empleados por personaje de la novela, y muchísimo peores a los que se ven personificados por Daniel Giménez Cacho en la película homónima.
“Bistec con ojos”, era la forma típica en que Maximino se refería a su hermano Manuel, a quien consideraba indigno para aspirar a la Presidencia de la República. “Bistec con ojos” es precisamente el termino que Andrés Asencio utiliza para despreciar a su compadre, cuando éste último se convierte en presidente de México.
Se ha mencionado que Catalina, el personaje central de “Arráncame la vida”, es en realidad Margarita Richardi, la última esposa de Maximino, con quien el ex gobernador habría procreado dos hijos, tal y como ocurre en el filme.
Al igual que Andrés Asencio, Maximino se convierte en secretario de estado. Desde ahí, comienza a mover todas sus influencias para alzarse con la Presidencia de la República en 1946, pero su muerte llega inesperada y sospechosamente en febrero de 1945.
El grupo político creado por Maximino en aquellos días controló el estado de Puebla hasta 1975 y uno de sus miembros, Gustavo Díaz Ordaz, se convirtió en presidente de México en 1964.

miércoles, 23 de julio de 2008

Batman, The Dark Knight, El Caballero Oscuro


¿Por qué tan serios?
La pregunta en voz de un sicópata resulta aterradora. Al crimen organizado se le combate a través de sus operadores de cuello blanco, detrás de sus crímenes no hay nada personal, es sólo negocio. Los llamados terroristas generalmente actúan por venganza o por motivaciones políticas, porque el negocio de mercenario es muy redituable, en todo caso. Pero esta vez de lo que se trata es de ser implacable, de romper una marca de asesinatos.

El objetivo es el caos, no para fines ulteriores, sino para demostrar sin asomo de duda que la humanidad está podrida, que nadie es mejor que nadie porque unos son los peores; pero los otros también.
Esta es la premisa que sustenta la segunda parte de la nueva serie de películas de Batman, estrenada tres años antes de su predecesora.
Con menos de 40 años de edad y 10 películas en su carrera, Christopher Nolan logró escribir y dirigir una película que no sólo por sus marcas de taquilla, sino por la calidad de su argumento y por mantener la tensión y expectación por más de dos horas, quedará inscrita en el cine de culto.
A ello sin duda contribuirá la extraña muerte en la vida real de Heath Ledger, el interprete de El Guasón, personaje que esta vez no despertará el menor asomo de simpatía, pero sí terror, particularmente con el uniforme de enfermera, en una escena que pareciera diseñada por siquiatras especialistas, para crear una imagen imborrable.
Batman, The Dark Knight está en las antípodas del interpretado por George Clooney en 1997. Incluso el caballero oscuro que nos presentó Tim Burton en el relanzamiento cinematográfico del personaje, en 1989, resulta bastante light, en comparación con este.
Quizá una clave de lo que hace tan diferente a esta película se encuentre en el origen británico de sus principales creadores: Christopher Nolan, egresado de la carrera de letras inglesas; su hermano Jonathan, quien fue nominado al Oscar por escribir Memento, otra cinta que ya es de culto; el galés Christian Bale, quien fue descubierto y lanzado a la fama por Steven Spielberg, cuando tenía 13 años en El Imperio del Sol, y Michael Caine, que con esta, ha participado ya como actor en 132 películas.

También distingue a esta película, sobre otras de superheroes, que los villanos no son únicamente dementes del Asilo Arkham o fenómenos siquiátricos, también son narcotraficantes latinos, vendedores de protección de origen italiano y profesionistas chinos. Por exclusión se entiende que los terroristas de origen árabe, a diferencia de lo que opina el presidente de Estados Unidos, no representan ningún problema para los habitantes de Ciudad Gótica.


lunes, 14 de julio de 2008

El Super Agente 86, Get Smart

Imagen de Steve Carell, Protagonista de la versión fílmica del Super Agente 86




No es poco común que las series de televisión que nos encantaban en nuestra niñez o juventud, resulten decepcionantes a la hora que pasan al cine. Algo de eso les sucedió a muchos de los espectadores de Los Picapiedra, Meteoro y Perdidos en el Espacio. Tal vez se deba a que no nos convencen cuando se adaptan al formato de cine, quizá porque la anécdota no da para tanto o tal vez por lo contrario, pierden emoción al no existir la expectativa del capítulo siguiente. Afortunadamente esto no ocurre con el Súper Agente 86, dirigido por Peter Segal.




Tal vez en este caso la transformación resulta más afortunada porque no se trata de la adaptación de un dibujo animado; como Estados Unidos ya tuvo en George Bush a un personaje de caricatura como presidente, lo que resulta divertido es que en El Súper Agente 86 no necesitan hacer una sátira de la Agencia Central de Inteligencia o del jefe de gobierno de su Nación, basta con retratarlos.


Recapitulemos: En la serie de 1965, Control es la super secreta agencia que mantiene a salvo al "Mundo Libre" de las travesuras de Kaos, una organización soviéticoalemana que intenta calentar la guerra fría.


El Agente 86 de la serie de televisión es un tipo torpe, pero con una suerte increíble que lo hace uno de los más efectivos.


En la película, por el contrario, el agente interpretado por Steve Carrel de veras es un tipo listo, que está detrás de la investigación y el trabajo burocrático. Es lo que se conoce como un Nerd y los otros agentes lo desprecian porque es demasiado escrupuloso, detallista y porque considera que para vencer al enemigo no siempre importa la fuerza bruta, sino el conocimiento de sus debilidades afectivas.


Carrel, quien fue un convincente Virgen a los 40 años y la voz del gentil elefante Horton, en el mundo de los Quien también resulta muy simpático en este papel de un agente de gobierno más bueno que tonto.


Los chistes políticos son de lo mejor. Tal es el caso de cuando alguien afirma que el Presidente debe estar haciendo algo importantísimo, cuando un niño de cinco años le está asegurando con gran espontaneidad que no serviría ni para maestro de un kinder.


Luego de una introducción que arranca carcajadas a los espectadores, el filme parece desviarse a la película estilo "James Bond", pero no habría que reprocharselo porque se requiere alternar situaciones para que cuando llegue la broma volvamos a disfrutarla.


Peter Segal, de la misma edad de su protagonista, dirige a Carrel de manera que se nota una muy buena química entre ellos, se percibe una película en la que se divirtieron y que por ende nos divierte. Segal tiene entre sus antecedentes como director la versión moderna de Golpe Bajo.


La gracia de Anne Hathaway, la moderna princesa de las películas de Disney y protagonista de El Diablo Viste de Prada, no desmerece en comparación de su belleza como la Agente 99, papel que en la tele interpretó Barbara Feldon.


Dwaine Johnson, quien era más luchador que actor cuando filmó La Momia, con el seudónimo de The Rock, Terence Stamp, Alan Arkin y James Caan - quien tiene el lujo de burlarse del Presidente- más un cameo de Bill Murray como el Agente 13, cuya misión es esconderse en los lugares más increibles, complementan el reparto.


Lejos de decepcionarnos, tenemos la oportunidad de ver de otra manera secuencias como la que acompañaba los créditos de la serie de televisión


Pero quizá lo mas sorprendente es que el único actor que pudo darse el lujo de repetir en Cine lo que hizo en televisión 30 años atrás, es mexicano, Jorge Arvizu, quien vuelve a prestar su voz en el doblaje a Maxwell Smart. Aunque sólo fuera por esto, habría que celebrar la vuelta de uno de los mejores productos en la historia de Hollywood.
Un dato interesante, Steve Carrel y Alan Arkin ya habían trabajado juntos en una película independiente, Little Miss Sunshine, el primero como un homosexual deprimido por el "closet" y el segundo como un abuelo ye-ye.
Quizá si no hubieran estado juntos en esa producción independiente, nunca les habría llegado el éxito comercial y de crítica obtenido en el Super Agente 86. El Cine tiene misteriosos caminos para quien se porta bien y no rehusa papeles pequeños


Obama, el racismo y Memín Pinguin




Nota del editor de CarteleraDF:
El Estado Republicano de Texas prohibió la difusión de una historieta de Memin, porque se alude a una campaña presidencial del personaje de ficción.
Tal parece que les dió temor que esta historieta influyera en favor del candidato mulato Barack Obama y prefirieron tildar al dibujo de Sixto Valencia como "Racista", lo que por cierto no ocurre por primera vez.
La noticia dio pie a una nueva entrevista con el más reconocido dibujante mexicano de todos los tiempos, Sixto Valencia, quien junto con don Gabriel Vargas tienen pendiente un gran homenaje nacional por ser iconos de la cultura popular.
El Blog peruano La Nuez, especializado en historietas realizó una estupenda entrevista al respecto por lo que nos permitimos incluir aquí un enlace como homenaje a sendos personajes de la cultura popular mexicana, tanto el personaje, como el autor de su dibujo.

Don Sixto Valencia, el dibujante de Memín Pinguín en medio de la batahola que se ha levantado en EEUU por las denuncias de racismo en contra de este popular y reconocido personaje latinoamericano, se da un tiempo para contestar nuestras preguntas en exclusiva para Perú.

¿Estimado don Sixto es inevitable referirse a este nuevo escándalo de un supuesto racismo contenido en el personaje de Memín, que es lo que piensa y siente en este momento?

Bueno, lo mas importante es que el personaje está vigente y no pasa inadvertido el dibujo. Espero que gane las elecciones Obama para que se acabe el racismo en Estados Unidos ya que es donde se presenta con mayor frecuencia esta diferencia entre, culturas, razas, clases sociales y de cualquier origen.
¿Qué pensó cuando la misma Casa Blanca, salió a declarar que el personaje contenía “estereotipos raciales ofensivos”?
Que a mí me dio risa, porque realmente mi preocupación eterna fue hacer simpático y bonito a Memín, que aquellos que han mencionado como a Memín como racista tienen una total ignorancia acerca de nuestra cultura popular mexicana. Además como dibujante te tienes que documentar para darle el parecido, tienes que ver como son los rasgos de un niño africano, por lo que tuve que recurrir a los negritos como Ebony del Sprit y otros más.

¿Cómo recuerda la época histórica en que apareció por vez primera Memín Pinguín?

Tengo muy buenos recuerdos, eran los años sesentas aún yo era joven y hermoso. Fue muy emocionante saber que la revista en su primer número había alcanzado una venta inimaginable, era una época en que la gente en México se entregaba a la lectura no había competencia con la televisión, además el contenido de las historias y aventuras de Memín era muy blanco y resaltaba mucho los valores; como el amor, la amistad, el compañerismo, la lealtad, etcétera.

¿Se guió mucho o poco del diseño precedente de Alberto Cabrera ?

Bueno sí, al principio el personaje es el mismo con las características que solicitaba la Sra. Yolanda, empecé a dibujar a Memín como lo dibujó Alberto Cabrera, pero era un negrito muy feo, realmente Memín se transformó con el tiempo y tuvo su estilo propio adquiriendo la apariencia que ahora todos conocen y recuerdan.

¿Cómo se llega a constituir la apariencia de Memín? ¿Tenía alguna referencia en mente?

Mira la Sra. Yolanda Vargas, la autora, hacía dueto con su hermana y cantaban, o bueno eso es lo que ella decía, un día estando de gira en Cuba, quedó prendada de los niños cubanos y así surgió el personaje. Cuando escribió Almas de niño, que se editaba en la revista Chamaco en los años cincuentas la idea fue dibujar un niño negrito con rasgos caricaturescos a diferencia del resto de los personajes. La Sra. Yolanda lo describía, como un niño chaparro, calvo, de orejas prominentes, bembón y con ojos de plato.

¿Que tiempo le llevaba realizar una historieta completa?
La revista se publicaba semanalmente, tenía que hacer un episodio de 32 láminas de 4 a 6 cuadros cada una, para completar este trabajo lo realizaba haciendo 5 cartones por día, además de que también se hacía la portada. En la primera edición se hizo en medio tono con la portada a color, pero la reedición que se hizo en los años ochentas se volvió hacer cuadro por cuadro, todos los cartones con todo y portadas, es la serie que se está reeditando actualmente.

Nota: Si deseas leer más por favor sigue el enlace a la publicación original http://lanuez.blogspot.com/2008/07/lanuez-entrevista-don-sixto-valencia-el.html

jueves, 5 de junio de 2008

CICLO DE CINE EN EL PSD

Por este conducto les hacemos extensiva la invitación al Ciclo de Cine "Grupos Armados en América Latina, una revisión en perspectiva", organizado por la Secretaría de Desarrollo Político, que se llevará a cabo los jueves del 5 de junio al 3 de julio, en el primer piso de las oficinas del CEN (Insurgentes Sur No. 1942, Col. Florida, México, D.F.), con el siguiente programa:

Película Duración Día Hora


Machuca 2 horas 30 minutos 5 de junio 16:00 horas
Voces Inocentes 2 horas 20 minutos 5 de junio 19:00 horas

EPR Retorno a las Armas 38 minutos 12 de junio 16:00 horas
Atenco, Romper el Cerco 48 minutos 12 de junio 19:00 horas

Se Busca 1 hora 40 minutos 19 de junio 16:00 horas
Batalla del 2 de Noviembre 40 minutos 19 de junio 19:00 horas

Paloma de Papel 2 horas 30 minutos 26 de junio 16:00 horas
La Boca del Lobo 2 horas 26 de junio 19:00 horas

Las FARC 1 hora 10 minutos 3 de julio 16:00 horas
Cárcel sin Ley 1 hora 3 de julio 19:00 horas

lunes, 2 de junio de 2008

Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal


Existen más pruebas de la existencia física de las Calaveras de Cristal que del Arca de la Alianza o del Santo Grial, otros objetos arqueológicos en los cuales basaron las primeras historias cinematográficas de Indiana Jones. A pesar de esto, muchos críticos parecieran haberse unido, al menos en México, para atacar sin piedad Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal al grado que hasta se atreven a pedir que la gente no la vea.


F.A. Mitchell-Hedgeses el nombre con el que la historia recoge el del explorador cuya hija realizó el hallazgo de un cráneo maya en Belice. El objeto tiene características muy similares a la de una verdadera calavera humana, como dientes y mandíbula con movimiento. Hasta ahora no se ha logrado determinar la forma en que fue tallada, ya que se trata de un trabajo considerado imposible de realizar por los más talentosos escultores de su época.


El tallado se hizo sobre cuarzo y resulta tan perfecto que parecieran haber empleado un rayo láser. El problema es que los cálculos más conservadores consideran que data de unos 300 años antes de la llegada de los españoles al continente, mientras que otros aseguran que podría tener 3000 mil años de historia.
La calavera de Mitchell-Hedges no es la única, pero si la más perfecta, al grado que su mandíbula es articulada ¿Alguien conoce otra pieza de tal contigüidad que se mueva como si fuera armada con plásticos? Hay que recordar que esta fue tallada en Cuarzo, que la estudiaron en los laboratorios de Hewllet Packard y que no se explican que herramienta pudieron utilizar. Tal vez arena, pero entonces el pulido debió tomar varios siglos.
Otra discrepancia con la película es que la calavera de Belice es pequeña, más cercana a la complexión antropológica de una mujer que a la de un hombre.
Narrados estos detalles que en nada demeritan la trama y la sorpresa de la cinta, hablemos de Cine, de una película divertida por todos lados, de un director que no ha perdido sus obsesiones por la unión familiar, los ET, los encuentros cercanos del tercer tipo y la acción física, siempre mucho más emocionante que los efectos digitales.
¡Claro! las fans de Harrison Ford pueden sentirse un poco tristes e incluso decepcionadas del aspecto de una persona más cercana a la vejez que a la lozanía, pero a los 20 minutos ¿a quien le importa? ya estamos inmersos en un argumento emocionante como los de las viejas películas de episodios que hicieron del cine la gran aventura del Siglo XX.

El humor suple otras carencias y en Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal no está excento. Además la historia de David Koepp y George Lucas es fiel a todas las características del personaje: nos recuerda que sabe español por haber convivido con Pancho Villa cuando el traidor Victoriano Huerta asume el poder; nos hace conocer geografía a la manera de las películas de episodios de la primera mitad del siglo XX, cuando no había "google earth" ni satelites para dar servicio doméstico de posicionamiento global y además nos recuerda que en la vida real todo se paga, como cuando le hizo la vida difícil a Sean Connery, en el papel de su padre en La última Cruzada.
Casi todo corresponde a una cronología real. Incluso cuando Indy se lamenta de la desaparición de su padre, en un periodo similar al de cuando Connery anunció que se jubilaba del cine. Tal vez haya errores, como la aparición de un reloj digital que se supone no se inventó hasta la década siguiente, pero también momentos de gran cine como el de los perros del desierto y las pruebas de bombas atómicas.
Cedamos pues un poco a quienes no quieren verle cualidades al cuarto largometraje de Indy. Pongamosle 90 sobre 100 de calificación, lo que es suficiente para una cinta en la categoría de "A ver sin Falta"

lunes, 19 de mayo de 2008

The Chronicles of Narnia: Prince Caspian, Las Crónicas de Narnia: El Principe Caspian












Trabajo en equipo, esperanza, respeto por las criaturas pequeñas y coexistencia pacífica entre los diversos. Estos son algunos de los valores que divulga El Príncipe Caspian, película de la zaga Las Crónicas de Narnia, la cual no solo desmiente que las segundas partes sean buenas sino que incluso podría superar a su predecesora El Leon, La Bruja y el Ropero.
La película de los Estudios Disney, de más de 100 millones de dólares, hace valer cada moneda del presupuesto; no solo por los más de mil especialistas en dirección de arte, diseño de producción, animadores y camarógrafos digitales, sólo por mencionar el trabajo de los más visibles, sino por un sólido guión y una dirección que permite armar una historia bien contada, con personajes creíbles y sicología acorde a su edad, aun cuando sepamos que es un cuento fantástico.
Con tres años más de edad que en la anterior, Georgie Henley, como Lucy Pevensie; Skandar Keynes en el papel de Edmund, Wiliam Moseley, el Príncipe Peter y Anna Popplewell, Susan Pevensie han madurado física y mentalmente más de lo posible entre el año ficticio que separa la aventura del Ropero y la del Príncipe Caspian. Esta situación hace aun mas interesante la trama si recordamos que antes de volver a su mundo original, los personajes crecieron e incluso gobernaron Narnia.
A los espectadores mexicanos les da gusto ver y escuchar con su voz original, en el doblaje al español, a Damian Alcazar en un papel de villano. Si algo hay que reconocerle a los estudios Disney es el respeto que han mostrado por los talentos de otros países.
Esto también puede apreciarse en la atmósfera de la película, filmada en locaciones de Praga, República Checa, Eslovenia, Nueva Zelanda y Polonia. En el argumento, como en la filmación, personajes de diversas razas tienen que trabajar juntos para lograr el bien común.
Casi dos horas y media de proyección hacen de El Príncipe Caspian, una cinta poco apta para niños inquietos, presentar a los personajes, sus motivaciones y búsqueda representa casi la mitad de la película, una batalla, como en la vida real no decide el triunfo ni la derrota. Los riesgos de la venganza y la perseverancia de la fe no son temas que se resuelvan en unos minutos, no al menos cuando se pretende una película que como todas las de Disney preserve sus valores por el paso de las décadas y si es posible, de los siglos.
Establecido el hecho de que es una película concebida para niños maduros, adolescentes y adultos que no hayan perdido el disfrute de la fantasía y las historias de príncipes, magia y espada, puede resultarle interesante saber que desde los créditos, Andrew Adamson nos presenta una película con estructura clásica que inicia con una emocionante persecusión mientras nos presenta al elenco y los principales técnicos.
Luego vendrán diversas historias paralelas que tomarán su tiempo para enlazarse pero que justificarán plenamente el tiempo invertido para lograr un climax oportuno y un desenlace que nos apresta para conocer la continuación en el 2010.

sábado, 17 de mayo de 2008

La Maraña, Homenaje Nacional Antonio Gonzalez Caballero


La imagen de la izquierda corresponde a la puesta en escena en el Estado de Puebla de La maraña, dirigida por Laura González . A la derecha una de las últimas fotografias del maestro.






Por Ramsés Ancira
Para Humberto Castro, por enseñarnos a conocer.

Antonio González Caballero, dramaturgo mexicano nacido en Guanajuato, es para la historia el autor de El Medio Pelo, Una Pura y Dos Con Sal, Señoritas a Disgusto y Las Vírgenes Prudentes; pero por el enorme entusiasmo con el que lo homenajean sus alumnos a cinco años de su muerte, debe haber tenido una virtud mucho más grande, la de ser un hombre bueno.


Así debe ser porque con funciones gratuitas en el Teatro Hidalgo, el Wilberto Cantón, el Foro de la Comedia y el Centro Cultural Helénico, entre otros fueron recuperadas en un Homenaje Nacional, otras de sus obras que ni siquiera están incluidas en la Wikipedia: La Maraña, La Excepcional familia barroco-colonial de la Narvarte y La Noche de los Sincalzones, entre otras.

En este homenaje participaron los más conocidos personajes del mundo teatral de nuestro momento como Víctor Hugo Rascón Banda, Miguel Córcega y Magda Guzman, pero también muchas personas que aun no alcanzan la consagración, alumnos agradecidos con González Caballero y compañías que no son tan famosas, pero que hacen una labor grandiosa por la preservación de la cultura y sobre todo de NUESTRA CULTURA, como la Compañía de Teatro México, German Gastelum, Francisco Camacho, Humberto Castro, y la Compañía de Teatro el Árbol, solo por mencionar a algunos.

Humberto Castro es uno de los protagonistas de La Maraña, Obra de González Caballero que a decir del crítico Enrique Mijares, representa un parteaguas no solo en la obra del autor, sino de la dramaturgia mexicana.

La Maraña es una obra de difícil calificación, farsa trágica podría ser una muy aproximada si deseamos prevenir a futuros espectadores.

Humberto Castro representa a uno de los dos jóvenes que vive un alucine extraño porque el nos advierte desde el principio que ya no le entra a las drogas.

Sin salir de un callejón, el mas oscuro e íntimo posible para conocer el contenido de una caja que probablemente sea la de Pandora, estos chavos que podrían ser de la Colonia Guerrrero de la Ciudad de México, aunque sabemos que el autor la escribió en Puebla, hacen un viaje tragicómico, aunque para ser más precisos: profundamente trágico y sólo apenas, sarcásticamente cómico.

Al actor Humberto Castro le toca la peor suerte entre todos los personajes de La Maraña. Un muchacho abandonado por su padre, explotado por su madrastra, conocedor de que hay otros mundos a los que no sabe como acceder y solo, tan solo que ni siquiera tiene el consuelo de una hermana puta cuyo honor pueda defender.

Para colmo de males, él, que es el menos gandalla, él que sí quiere amar, que sí quiere y que necesita más que nadie que lo quieran es quien menos recibe. Hasta la vieja La, que amante por amante y sílaba por sílaba acabó por reconfigurarse como Estela; hasta el macho cabrío Snug se habrá de transformar de pesimista a irredento optimista con solo cambiar el enfoque de su mirada a la caja.

Pero para el no habrá amor, ni ninfa, ni niña ni redención.

La farsa trágica se convierte en naturalismo desbastador. ¿Porque Antonio González Caballero no nos deja siquiera un resquicio de esperanza? ¿Una ventana por donde entre siquiera un rayito de luz?


Creo saber la respuesta. Con La Maraña, González Caballero se salió del círculo de los autores comerciales y quizó hacer un teatro didáctico, didáctico no solo para los actores y para su método, sino didáctico para los jovenes sin esperanza.

Si esta obra es tan oscura, si nada puede ser peor es porque es solo teatro, porque hay un mundo afuera que podemos cambiar, y conquistar y hacer diferente y felíz.

Porque el arte solo es un cajón de un armario mucho más grande que se llama vida.

lunes, 5 de mayo de 2008

IRON MAN






Más del 70 por ciento de los estadounidenses ya repudian por estas fechas al presidente George W. Bush. Parece tarde cuando un millón de personas han dejado de existir por su estrategia de controlar el petróleo asiático, sin embargo el cambio de percepción en mucho se debe al cine de Hollywood.

Iron Man es una película de guerra que habla contra la guerra y se sitúa ni mas ni menos que en Afganistan, donde un científico arabe será el encargado de cambiar la percepción sobre los negocios y la vida de Tony Stark, personaje de Stan Lee, inspirado en Howard Hughes, el empresario playboy que inventó los aviones Hércules.
El director de Iron Man, Jon Fabreau no estudió cine como su profesión más importante, sino ciencias, esto contribuye a un guion en el que se resalta que el éxito no es producto de la casualidad, ni siquiera en las historietas, sino de una serie de ensayos y errores.
Robert Downey Jr se interpreta un poco a sí mismo en esta película. El actor, que ganó el Oscar por interpretar a Chaplin en 1992, igual que Tony Stark en Iron Man, resultaba un sujeto manipulable al que controlaban y explotaban los vendedores de drogas;mientras que el ficticio creador del hombre de hierro es manipulado por los traficantes de armas.
De verdad de premio resulta la actuación de Jeff Bridges, el otoñal galán de pelo largo quien ahora calvo está irreconocible en la caracterización de Obadiah Stane, el hombre fuerte de las empresas Stark.
En tanto que Gwineth Paltrow, la extraodinaria protagonista de Shakespeare Enamorado, aquí en el papel de Virgina Potts, encarna a una mujer a la vez frágil e inteligente. La escena de amor en el balcón de un edificio, es quizá la más convincente de cualquiera que se haya filmado en una película de superhéroes.
Seguramente Iron Man ha sido de los personajes de historieta menos atractivos para los lectores mexicanos, pero después de esta película podría ser el más interesante, sobre todo si se continua en la línea de mensaje político que le han impreso los guionistas Mark Fergus y Hawk Ostby, los mismos de Hijos del Hombre (Alfonso Cuarón, 2006)
Ojalá que en México tuvieramos giuonistas que emplearan el cine para denunciar, como lo hace Iron Man, a los agentes de ventas de las compañías de la guerra que además cobran como funcionarios públicos a nivel de secretarios de Estado.

sábado, 19 de abril de 2008

Terapia Sexual Profesional en México DF


Terapia Sexual Profesional
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Incremente la creatividad y productividad en su empresa. Cursos para todos los niveles y edades.

lunes, 7 de abril de 2008

La Zona


Tal vez lo que hace a La Zona una película tan especial y aterradora es que no fue necesario construir escenografías para contar la historia de un guetto donde los ricos deciden recluirse por voluntad propia. Los límites entre la miseria y la opulencia no tienen más límite que una frágil barda y trascenderlos es una experiencia mortal para cualquiera que decida cruzarla.
Daniel Jiménez Cacho y Maribel Verdú vuelven a compartir créditos tal y como lo hicieron, aunque nunca aparecieron juntos, en Y Tu Mamá también. Esta vez los jóvenes de clases sociales polarizadas no estarán unidos por un código charolastra, sino por el terror que les provoca un país dividido entre los mugrosos que quien sabe por quien voten y los casatenientes, cuyos perfiles cazan exactamente con la propaganda que promovieran el PAN y el Consejo Coordinador Empresarial, en el México del 2006.
La Mejor Ópera Prima del Festival de Venecia y Premio de la Crítica Internacional del Festival de Toronto recibió los más encendidos elogios de la crítica europea. El diario francés Liberation establece que lo que se ve en la película no hace más que anticipar la violencia social que se está germinando mientras que el director Rodrigo Pla, sintetiza así su tesis: Quienes se aislan creyendo huir de la violencia terminan por ejercerla de manera terrible.
Al tratar La Zona es indispensable darle siempre el crédito a Laura Santullo la escritora de esta obra que transita esplendorosamente entre el suspenso y la denuncia.
Mencion especial merecen Mario Zaragoza (quien caracteriza a un bestial policía que al menos una vez en su vida quiere hacer lo correcto, pero cuyo instinto no está acompañado de la cultura suficiente) y Marina de Tavira la odiosa solterona cuya represión sexual y política solo puede liberarse con la violencia contra el más débil.
Igualmente relevantes son los personajes imberbes, los de un lado de la zona sin prejuicios para dar rienda suelta a su sexualidad y los de la otra, fantaseando sin límites con una violación que tal vez sea la propia proyección de una carnalidad insatisfecha.
La fotografía de Emiliano Villanueva y la música original de Fernando Velázquez son otros elementos clave para esta Opera Prima contundente, como han coincidido en calificarla los mejores críticos europeos y latinoamericanos.

miércoles, 12 de marzo de 2008

Sweeney Todd, El Barbero Diabólico




Óscar Sumuano

Sin duda alguna, el Oscar que se llevó este año Tim Burton con su película musical Sweeney Todd es muy merecido. La dirección artística del filme revela la gran madurez que alcanzó Burton en cuando al manejo del lenguaje visual. La ambientación de época, los tonos ocres y oscuros forman un poderoso conjunto que el espectador puede disfrutar cuadro por cuadro.

La belleza plástica de las imágenes es incomparable, cada una de ser contemplada de manera individual, ya sea en foto fija o en lienzos sobre caballetes. Esta magnífica producción fue reforzada con un gran reparto, encabezado por el siempre confiable Johnny Depp, que se entiende a la perfección con Burton desde La leyenda del jinete sin cabeza.

Sin embargo, el reto que supuso para Burton de tomar una obra musical de teatro le restó fuerza a la película en sí, en particular porque el guión de John Logan resulta bastante flojo al dejar cabos sueltos por considerar que es innecesario hacer referencia al exilio en Perú de Benjamin Barker, lo que explicaría un poco lo siniestro de su talante aunado con la sed de venganza.

Tampoco considera necesario puntualizar cómo nace su amistad con el joven marinero que al final se quedará con su hija luego de rescatarla del también malvado juez Turpin (Alan Rickman) quien le arrebató a su mujer.

A diferencia del musical de Brodway escrito por Stephen Sondheim, basado en una vieja historia publicada en noviembre de 1846 en un folletín llamado The Peoples Periodical, el guión de Logan naufraga en supuestos y carece de continuidad. Por ello, algunas canciones parecen fuera de lugar e innecesarias, pero que en el teatro son el contrapunto para entender el odio malsano que inunda a Barker y que finalmente lo lleva a asesinar a su propia esposa.

Ojalá en su próxima producción, Tim Burton pueda contar con un sólido guión que le permita desplegar de nuevo todo el poderío plástico que ha logrado con el Barbero demoníaco en cada cuadro y disfrutar su humor negro y deliciosamente grotesco.

jueves, 21 de febrero de 2008

Ganster Americano (American Gangster)


Por Oscar Sumuano


El mensaje de Ridley Scott en su más reciente película, Ganster americano, es que en Estados Unidos todos pueden alcanzar su versión del "sueño", incluso hasta el más despiadado criminal, siempre y cuando observe cuidadosamente su propio "código ético", por llamarlo de alguna forma.


Nominada a dos Oscares (mejor actriz secundaria y dirección artística) la historia se ambienta en el Nueva York de finales de los años 60 del siglo pasado, donde un viejo y "honesto" mafioso (Clarence Terence III, serie de tv Patrulla Juvenil de los 60), va transmitiendo a su chofer Frank Lukas (Denzel Washington) "perlas de sabiduría" criminal, que a la muerte de éste, el oscuro chofer las aprovechará para crear un imperio de narcotráfico, con el apoyo nada menos que de las fuerzas armadas gringas que se encuentran en el frente de Vietnam.


La estructura narrativa de Gangster americano es la misma de Los Intocables (1987) de Brian de Palma. Aquí el Eliot Ness protagonizado por Kevin Costner le corresponde a Richi Roberts, interpretado por Russell Crowe. Policías incorruptibles que son llamados para crear una brigada para luchar contra los gansters, incluso más allá de la ley.


Durante dos horas y media, Scott desarrolla de manera amena el ascenso y caída de uno de los grandes capos de la mafia de aquellos años de la sicoledia. Define muy bien a sus personajes y logra su objetivo: mostrarnos que la justicia estadunidense sufre pero triunfa aunque sea con recursos ilegales.A pesar de la buena factura de la cinta, se nota que Ridley Scott ya ha envejecido y esta reciente producción es una muestra palpable de su tributo al "american way of life".


El reparto es de primera, pues además de Crowe y Washington, participan Chiwetel Ejofor, Cuba Gooding Jr., Armand Assante, John Ortiz, John Hawkes Josh Brolin, entre muchos más.El guión estuvo a cargo de Steven Zaillian, quien se basó en un artículo escrito por Mark Jacobson sobre Frank Lucas, titulado "The Return of Superfly".

martes, 19 de febrero de 2008

El Orfanato




Divertida es una buena palabra para definir la película de suspenso El Orfanato, aunque no faltan entusiastas que la califican de perfecta por su guión pues al final todas las piezas encajan con precisión.

En la línea de películas como Poltergeist (Tobe Hooper, Steven Spielberg 1982) Sexto Sentido (Shymalan, 1999) y Los Otros (Alejandro Amenabar 2001), El Orfanato también cuenta sobre los enlaces de fantasmas, de personas que han sufrido una muerte violenta y las personas con una capacidad especial para percibirlas.

Es un privilegio para México que la primera carta de presentación de este largometraje sea Guillermo del Toro, pues la calidad de las películas del director de La Invención de Cronos, El Espinazo del Diablo y El Laberinto del Fauno, es la que sustenta el interés de ver esta película del joven Juan Antonio Bayona, ganadora hasta el momento de 10 premios internacionales y nominada a 32 premios más.

El Orfanato, protagonizada por Belen Rueda, también tiene gran parecido con The Forgotten (Joseph Ruben 2004) pues explora que tan fuertes pueden ser los lazos que unen a una madre (Julianne Moore) con su hijo.

También vale mucho la pena identificar en el cuadro de actores a la hija de Charles Chaplin y volver a ver al actor mexicano Edgar Vivar (el entrañable Señor Barriga de la viejas series de televisión) en una cinta que le permitió ganar el dinero para tratarse de la obesidad mórbida.


Como El Orfanato es una película de suspenso, mientras menos sepa de ella más la va a disfrutar. Solamente una recomendación, esté muy atento a los cinco últimos minutos, cuando Laura, el personaje de Belen Rueda recuerda las horas previas a los momentos de angustia que le tocó vivir. Ahí se explica la historia.

Ahora que si a pesar de ello no le satisface la explicación, de cualquier manera vale la pena ver El Orfanato y reconocer el prestigio de Guillermo del Toro.

sábado, 9 de febrero de 2008

Los Caídos

Durante 100 años los gobiernos conservadores de México estuvieron acostumbrados a lidiar con dirigentes sindicales fáciles de asesinar, amedrentar o de comprar. La falta de representación sindical democrática de los trabajadores facilitó mucho las cosas.


Sin embargo el gobierno de Vicente Fox se encontró con un caso atípico, un dirigente con nivel académico de doctorado en economía, obtenido en alguna de las universidades más prestigiadas del Planeta.


Veinte años después de que algunas de las minas más productivas fueran concesionadas a empresarios particulares (quienes contribuyeron a las campañas electorales de Vicente Fox y a la Fundación de su esposa "Vamos México") se logró iniciar el reparto del cinco por ciento del dinero de la privatización, entre los trabajadores.


Por esas mismas fechas, en una mina de Coahuila, niveles de gas metano que no deben exceder del 1.5 por ciento, se elevaron cincuenta veces más. Como los trabajadores sindicalizados eran más difíciles de convencer, la empresa empleó a mineros no organizados. Más de 60 murieron en un crimen industrial que fue propiciado por la Secretaría del Trabajo y Previsión Social.
Luego sobrevino una campaña de hostigamiento que incluyó el asesinato y el uso de helicópteros artillados, tal como ocurrió en Tlatelolco el 2 de octubre de 1968.


Esta es la historia que se cuenta en Los Caídos, primer largometraje documental dirigido por el sonorense Ruddy Joffroy (Nogales, 1975)


El documental es parte de la sección Dictator´s Cut, del Festival de Cine Documental Ambulante donde se da cuenta de asuntos que la censura ha impedido conocer a cabalidad y de hechos que la mayoría de los medios de información se han empeñado en distorsionar.
De hecho, uno de los momentos clave del documental es cuando vemos el nombre de German Larrea, propietario de Minera México, también como integrante de los administradores de uno de los negocios de comunicación más grande del mundo: Televisa.
Hay que decir, en justicia, que también destaca la exhibición hecha por Carlos Loret de Mola del títere que los empresarios y la Secretaría del Trabajo quisieron hacer pasar como líder legal.
Con la debida difusión, esta cinta podría aprovechar el interés que despertó por el género la película Fraude, de Luis Mandoki, con la ventaja de que en Los Caídos Rudy Joffroy hace mejor cine, presenta docenas de testimonios, entre ellos el del abogado con formación republicana Nestor de Buen, y supera en mucho el lenguaje visual de la primera.

Por la importancia de este documental, para comprender el nivel de impunidad y de complicidad alcanzado por la oligarquía y varios niveles del Gobierno Mexicano, sería deseable que se le incluyera como parte de los programas oficiales en la clase de Civismo y se proyectara en universidades y sindicatos de toda América Latina.
Mientras esto ocurre: en el siguiente enlace puede verse como será programado durante la gira de documentales de 2008 http://www.ambulante.com.mx/2008/es/documental.php?id=24



lunes, 4 de febrero de 2008

Ambulante. Festival de Documentales

Nota del Editor: El documental es la fórmula informativa que nos permite eludir la censura de los medios de comunicación dominados por intereses transnacionales y quizá la forma más rápida de estar informado sobre lo que sucede en el Planeta, particularmente en lo que se refiere a la defensa de los derechos humanos. Cartelera DF reproduce un fragmento de la información de la Gira de Documentales Ambulante, con el propósito de contribuir en la divulgación de una cultura de derecho a la información.

Para información actualizada por favor siga este enlace: http://www.ambulante.com.mx/

miércoles, 30 de enero de 2008

XXY en la Cineteca Nacional


XXY
D: Lucía Puenzo.P: Argentina-Francia-España, 2007.G: Sergio Bizzio y Lucía Puenzo.F en C.: Natasha Braier.M: Andrés Goldstein y Daniel Tarrab.E: Hugo Primero y Alex Zito.Con: Ricardo Darín (Kraken), Valeria Bertuccelli (Suli), Germán Palacios (Ramiro), Carolina Pelleritti (Érika), Martín Piroyansky (Álvaro), Inés Efron (Alex), Guillermo Angelelli (Juan).Prod: Historias Cinematográficas Cinemanía, Pirámide Films, Wanda Visión, José María Morales, Luis Puenzo .Dur: 86 mins.Dist: MV.C.: B-15.


Funciones en la Cineteca Nacional:
Sala: 2, martes 12 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, miércoles 13 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, jueves 14 de febrero de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, viernes 15 de febrero de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, sábado 16 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, domingo 17 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, martes 19 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, miércoles 20 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, jueves 21 de febrero de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, viernes 22 de febrero de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, sábado 23 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, domingo 24 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, martes 26 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, miércoles 27 de febrero de 2008 12:00,16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 2, jueves 28 de febrero de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 4, viernes 29 de febrero de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 4, sábado 1 de marzo de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.
Sala: 4, domingo 2 de marzo de 2008 16:30,18:45,21:00 hrs.


Sinopsis:


La adolescencia es compleja, y para Alex, de 15 años, lo es aún más, ya que debe lidiar con su condición de hermafrodita, el despertar sexual y la búsqueda de una identidad. La ópera prima de Lucía Puenzo, ganadora de cuatro premios en Cannes, narra una historia que sobrepasa la dimensión física para internarse en los tejidos del alma y sus conflictos.

martes, 8 de enero de 2008

Encuentro teatral con la risa como tema

Obras tan diversas como una dedicada al señor asesinado por policías que se excedieron en el uso de la fuerza cuando se arrojó a las vías del metro porque estaba deprimido cuando le robaron su carro de naranjas y otra que hace parodia de las familias barrocas de la Colonia Narvarte, figuran en el encuentro teatral con la risa en México como tema que se presenta en Centro Cultural del Bosque.

La entrada es libre y esto es una buena cosa ante el panorama inflacionario, la historia de Carmen Aristegui y la guerra civil en Alternativa con la que iniciamos el 2008.

Obras, horarios, compañías y teatros en el siguiente enlace.

http://www.cemexitiunesco.org/

Una kathedra en un minuto

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